“¿Cuál es la parte más fea de tu cuerpo?” – se preguntaba Frank Zappa al inicio de una canción de 1968 -“algunos dicen que tu nariz, algunos dicen que el dedo gordo de tus pies, pero yo creo que es tu mente”- se respondía.


Se conmemoran por esta época 45 años del debut discográfico de uno de los personajes más vigorosamente críticos, prolíficos, arriesgados, visionarios, iconoclastas, agudos y divertidos de la música y la sociedad contemporáneas.

¿Qué respaldo espiritual, por no decir fuente común de inspiración, tienen el trabajo de gente tan profesionalmente heterogénea como Michael Moore (Bowling for Columbine, Fahrenheit 9/11), Matt Groening (Los Simpson, El Critico, Futurama), George Clinton (Parliament, Funkadelik), Trey Parker, Mark Stone (South Park), Howard Stern, Steve Vai, Terry Bozzio, Pierre Boulez, Jean Luc Ponty, George Duke, Alice Cooper, Captain Beefheart, Adrian Belew, incluso Al Gore?, la respuesta la constituye uno de los nombres clave en el entendimiento de la música contemporánea, se trata de Frank Vincent Zappa. Su humor, rigor crítico, pasión y autogestión parecen haber impregnado el quehacer de ya varias generaciones de artistas, músicos, escritores, activistas, periodistas y hasta científicos.

“Déjate tocar por la naturaleza, límpiate con cuero de tambor. No estanques el agua, déjala que fluya… Esperanza y buena suerte en el camino Iré, pa’ encontrarme con lo bueno, en el camino iré”. Aguambó Iré.

Una de las fórmulas más aplicadas y exitosas que actualmente existen en el terreno musical, ha sido la fusión de ritmos como la salsa y el jazz con aires folclóricos colombianos de las distintas zonas del país –entre los que están desde los cálidos provenientes de las costas, hasta los melancólicos que nacen en la sabana–, combinaciones que han seducido a músicos y melómanos por lo interesante y efectivo de sus resultados.

Precisamente, y como una propuesta fresca, renovada y arriesgada, en la que confluyen ritmos del mundo, cubanos y colombianos, se presenta, Aguambó Iré, un grupo conducido por Carlos Taboada y Adriana Vásquez, dos talentosos y jóvenes músicos –de amplia formación académica y dueños de un rico legado proveniente sus familias, ligadas a la música–, y quienes han logrado desarrollar un proyecto en el que la variedad y la ruptura con los esquemas tradicionales de composición y formato, son los distintivos.

Este año se celebran los 15 años del Festival de Hip Hop Al Parque, 15 años desde la primera vez que se abrió un escenario institucional para los raperos en la Plaza de Bolívar, luego en la Media Torta, Parque El Tunal y, cuando la cantidad de adeptos a esta música creció, se dio el Parque Simón Bolívar. Los artistas trabajan todo un año para grabar un buen demo y alistar los papeles para ser evaluados y presentarse en el festival (que actualmente, es catalogado como el festival más importante de Latinoamérica), para luego de unos meses, si la respuesta es positiva, pasar a una audición, y luego de ello, la gran tarima para compartir con artistas internacionales y poder mostrar el trabajo realizado a más de 80 mil personas, dejando ahí todo su empeño. Es por eso, que el festival debería ser una plataforma que impulse y promueva a los artistas, y no ser el escenario en el que todos quieren estar por que los demás espacios donde el rap puede entrar, están monopolizados. Hay que mirar la realidad del Festival y de los artistas, porque muchos de ellos no se preocupan por un buen show, por una imagen, por una publicidad, cosas importantes a la hora de buscar abrir puertas. Por eso, a continuación conoceremos la opinión de cuatro personas que le han aportado mucho a la cultura desde diferentes partes y, que llevan muchos años trabajando para el hip hop nacional.

Si el Festival más importante de Latinoamérica es Hip Hop Al Parque, ¿Porqué nuestros artistas no tienen ese reconocimiento? ¿Qué hace falta?

Si usted es de los que gustan de Metallica, Slayer y también Chemical Brothers o Prodigy, no puede dejar de oír esto… The Bloody Beetroots, son italianos, exactamente de Venecia, como dice su canción “We are from venice”. Este proyecto comandado por el señor Sir Bob Cornelius Rifo, arranca en 2006, acompañado de Tommy Tea, quien esáa junto a él en los tornamesas y, quien es el más gordito, porque usan mascaras de Venom, el villano de Spider Man, sí, mascaras, ósea que es más atractivo que cualquier dúo electro, y eso lo empezamos a ver desde que escuchamos “Bluto Fucks Popeye”, un track que simplemente tenia los elementos que muchos pensaron, que muchos querían y pocos se arriesgaron a meter, distorsión al 3500, Syntes de esos que recuerdan a la gente que todo puede ser peor y que siempre hay alguien que lo puede hacer más fuerte.

Juegos dulces sonoros y melodías consentidoras para el alma; el fenómeno musical de Esperanza Spalding


Sin buscar referencias, sin buscar imitaciones. Experimentación… libertad… improvisación… jazz… canción de cuna contemporánea. Escuchar a Esperanza Spalding es sumergirse en un universo de sabores y colores melódicos sencillamente deliciosos. En dónde nunca se nos anticipa y siempre sorprende.

Hija de África, hija de Norteamérica, hija del blues, del jazz, hija de una madre soltera en Pórtland; esta mujer de 26 años, sencillamente hermosa y con una actitud dulcemente impactante, lleva más de 20 años en la música, aunque sólo hasta hace poco salió a relucir gracias al Grammy que le otorgó este año la academia como Artista Revelación y, el cual permitió que su nombre y su música fuera protagonista del espectro de la vanguardia musical mundial.

Sus canciones están inundadas del placer musical, del don de la interpretación que se le otorgó; palpitar como el corazón, mantener el groove de una canción, interpretar el bajo con mucha delicadeza, y a eso, añadirle una melodía ensoñadora. Esperanza, como bajista, contrabajista, compositora y cantante, ha pasado por diversos géneros musicales lo cual le ha otorgado una gran versatilidad en cada uno de sus trabajos (funk, jazz, R&B, hip hop, música brasilera, etc), he aquí la ejemplificación de libertad sonora sin condiciones de la que hablé al inicio. Una libertad que no sólo se manifiesta a través del sonido, sino de su mismo carácter. Su formación fue en casa, no hizo parte de las instituciones educativas tradicionales, hasta que a los 15 años decidió ingresar, y fue allí dónde se enamoró por primera vez… conoció el bajo acústico. Un amor al que ha sido fiel hasta la fecha. Un amor que ha estudiado, conocido, reconocido, profundizado, re inventado y, al que le ha dado su toque mágico. Esto ha permitido que Esperanza haya logrado tocar con los grandes, sin embargo, es lo que es, gracias a ella misma. Tiene nueve discos en su historial, seis como integrante de diversas agrupaciones y solistas (Noise for Pretend, Stanley Clarke y Nando Michelin Trio, entre otros) y tres en solitario, lo cual nos permite ver que a su corta edad lleva un largo camino recorrido y, lo mejor es que le queda muchísimo más por transitar; un camino de juegos dulces sonoros y melodías consentidoras para el alma.

Si bien Francia es conocida por sus esbeltas mujeres, su elegancia y glamour, también lo es por su música electrónica.  Gaspard Augé y Xavier de Rosnay son las cabezas del ya legendario dúo JUSTICE. 

Este par de jóvenes con notorio talento arrancaron con un remix de SIMIAN MOBILE DISCO, “We are your friends”, durante un concurso en París. Sólo con el coro de la canción nos mostraron una versión impecable, con ella  le dieron la vuelta al mundo y “Busy P” (Ed Banger rec) supo reconocer su talento y los fichó al instante.  Luego empezaron a remezclar varios tracks de artistas como Soulwax, Daft Punk ¡y hasta Britney Spears! …y lo más curioso, remezclaron un track del grandioso Mr. Oizo, que sonó en las mejores discos del mundo; esa era la mejor señal de que todo iba por buen camino.

Este dúo comienza a girar por el mundo con una cruz luminosa en la mitad del escenario, un muro repleto de cabezotes Marshall (como Metallica en los 80’s), un cuidadoso diseño de luces, sin CD players ni tornamesas, sin micrófonos y con una remezcla de Ministry. 

Es bueno ver que en este país se esté generando cada vez más apoyo por las múltiples propuestas musicales que se vienen desarrollando de una manera seria y constante a lo largo de los últimos años, muchos medios especializados apuntan a señalar que los artistas que están introduciendo elementos de música autóctona colombiana, son quienes han hecho crecer la industria. Yo prefiero ser menos optimista y más realista, buscando primero los factores que muestren por qué se está generando gran acogida en torno a esta situación y, por qué cada vez más artistas están dejando a un lado lo que verdaderamente les gusta hacer, dejándose seducir de este movimiento.

No estoy de acuerdo con la tesis que enuncia que muchos músicos rockeros en nuestro país, están despertando una conciencia musical por la música propia, puesto que en Colombia muchos artistas que han realizado múltiples proyectos en torno al rock y afines, han dejado de tocar lo que verdaderamente les gusta, para subirse al bus de la cumbia fusión, creyendo que éste será el mesías salvador que justifica tantos años de esfuerzos y, reivindicando la sed de éxito y reconocimiento nacional e internacional, buscado durante años; de la mano de  los que llamo ‘la generación Manu Chau’, la cual vive inmersa en un imaginario donde priman los contrastes, donde abundan los clichés machacados y reciclados que hacen referencia a problemáticas socioculturales, son, desde mi punto de vista, falsos sentimientos de pertenencia cultural y mucho amor por un país que desconocen en el fondo.

A: Ángel Perea; Crítico de vanguardia...

En 1960, comienzo de esa década prodigiosa en la que se originó el sonido neoyorricano de la Salsa, el saxofonista Ornette Coleman, al frente de un doble cuarteto conformado por Don Cherry, Charlie Haden, Scott LaFaro, Billy Higgins, Ed Blackwell, Eric Dolphy y Freddie Hubbard, grabó para el sello Atlantic, una jam session de casi cuarenta minutos, titulada Free Jazz.

Era una obra de improvisación colectiva, cuya ejecución mandaba pa’l carajo a todo el jazz producido entre 1920 y 1940, catalogado por los especialistas como clásico y, a todas las corrientes entre 1940 y 1960, denominadas, por los mismos expertos, como modernas (como el Bebop, que en el momento de su irrupción causó escándalo semejante).